早在上世纪40年代，世界的舞台美术家、戏剧大师捷克的斯沃博达先生就预言：“今后舞台美术的发展，将是一个全新的光影时代。”随着科学技术突飞猛进、日新月异的发展，特别是电子与光学技术得到广泛而实效的运用，舞台灯光早已从早期的照明、模拟自然而走向了艺术的造型、氛围的渲染、意境的营造、戏剧情节的发展铺垫、空间的构图及戏剧人物心理情感的表达、外现。灯光与舞台艺术的其他部门，尤其是音乐，共同为演出、观众创造视觉、听觉艺术的想象与享受。

    英国戏剧家、导演戈登克雷说：“灯光是舞台上的画笔，灯光是舞台上的灵魂。”此言充分强调了灯光在舞台上的重要性。因为一个演出的最后完成、体现，特别是各个部门在舞台上的最后合成，最后一道工序是靠灯光来完成的。美术、服装、道具、化妆、音响，甚至演员的表演、调度，都需要灯光来做最后的刷色、涂抹，需要用光来引导观众的视线，该看什么，隐去什么，凸显什么，淡化什么，需要灯光将所有舞台艺术部门进行有机、有序的艺术融合，使其形成合力，为演出推波助澜。

    灯光在舞台艺术中，首先需要摆正自己的位置。灯光与其他部门一样，隶属于舞台艺术的二度创作的组成部分，也就是说灯光不是舞台艺术的主体，它需要依附于主体艺术，离开主体艺术的存在就没有生命力。因此，灯光所承载的任务是受到制约的，只有与二度创作的中心――导演共同通过对演出(剧本)仔细、深刻的研究、探讨，形成共同而统一的理念与风格，确定符合演出的形式，将灯光的风格、表现，有机、有序地融入整个创作，恰当、巧妙地贯穿于演出整体中，灯光才具有鲜活、生动的生命力，才具有真正的艺术价值。

    灯光在演出创作中，要张扬自己的个性、理念。设计没有自己的个性、理念，甚至是一张图纸满天飞，依旧是没有生命力的。如果说剧本是“源”，二度创作是“渠”，就要使水流得顺畅且流法多样，使“源”与所有的“渠”融为一体，汇成一股合力，流入观众的心灵。同时你建立的“渠”，无论形式、方法、手段，必须凸显自己的个性，必须有创新性，同时富有国际视野。

    灯光在演出创作中，要准确地把握住“度”的概念。这与设计者所受教育程度、文化底蕴、艺术修养及实战经验有关，如果他对演出作品的理解透彻，功力老到，与导演及各个部门又沟通及时，把握的尺度自然准确、到位，表现手法、技术手段、色彩构图、节奏控制等都与此密切相关。

    同时，作为设计者在创作中还要避免的是：(1)不能过分依赖所谓的高科技技术与设备，一味追求灯光的绚丽多彩、变化，没有将灯光特有的艺术语言、表现形式有机地融合在演出之中，导致喧宾夺主，形式大于内容，甚至干扰主体艺术、干扰表演，成为舞台上的光污染。(2)观念陈旧，墨守成规，在科技发展的今天，依旧抱着陈旧的创作理念，甚至满足于停留在演出照明的功能上。(3)创作上处于被动，不能从专业的角度去理解、阐述演出(剧本)，为整体舞台创作提供建议，盲目服从，甚至连所有的灯光色彩、变化都等导演指令。

    如果说文学是研究如何运用语言和概念去激发人们的反应，建筑是探索如何在空间安排材料使其富有种种的表现力，音乐是研究如何利用音响再度创造人们的情绪起伏，布景是探索运用色彩和线条体现演出的内在精神，那么，灯光就是运用色彩之旋律、变化之节奏、光影之魅力，在实实在在的舞台空间中，为演出做着无声交响乐的伴奏。